MRB | AMM

Aquí os dejo algunas impresiones sobre el concierto de Mattin con Keith Rowe en A Coruña, animo a que si alguien quiera aportar algo lo haga.

(concerto-performance out 2009)
by Olalla Senorans

***

I’m late. Bewilderment. Bewildered./ Rhythm. Climate. Subtlety. Craftmanship. Cadence./ Massage. Medium. Distance./ Silence./ Observation. Unfocused. Environment. Audio./ Placing. Dis-placing./ Concert. Dis-concert-ed./ (Dis) contextualized silences. Related search. Patience. Wait./ Sensual opening./ Bells. Territory./ Noise. Factory./ Quietness./ Damage. Violence./ Stampede. Noise. Aggressiveness./ Calm presence. Crafty manipulation./ Cadenced isolation. Light gestures./ (Dis) mantling without a sign./ Leaving the trade of the non – trace; its absence. Space for the other(s)./ For sharing the harvesting.

Mirror.

For a few. Of chants. Multiple reflections. Echo./ Out with the air./ Return./ Absorbing. Assimilating. Bodily process. Saturation./ Sensual, mental relief. Physical non – relief./ Drowsiness.

Absence of the harvester / of the manufacturer. Of the mirror which transforms the silent and noisy reflections of ourselves./ Presence of the still spectator. Unreal./ Distressing./ Comic. Fictitious. Real./ Distressed world. Parasitic society. Paralysed/

Laughter, rescuing me from the illogical / the absurd social reality. Humour is a fluid that closes the gaps between the insurmountable.

Clinames
by Claudio Pato
* You asked whether it is a patience or an attention issue. Whether the Englishman is a mentally dis- ordered person? A revenant, someone who continuously arrives and returns. Or, rather, it could be me the one who suffers a mental dis-order consequently with attending, stoned, to “such a speech” over the kitchen table. * Is the one returning a different one, one arriving from far away? A different one, caring about grazing, about touch, about violence. * The mentally dis- ordered tries to think of an action that might return an im-possible which should endeavour (to thrive) in this world. Thus, the mentally dis-ordered are a crowd. A crowd of hair and boulders and stereos… as well. * Harassing the replicant about one. * Why did you talk before of a replicant and of a clinamen? Are you conceptualizing the issues that have brought us here? At any rate, the replicants would be several, also the clinamen would be several, and so would be, surely, the differential. * Here I am, here I am… * Did you feel like dancing at all? No, but I did feel like pondering over the bodies gathered there, and, also, like thoughtfully gazing at the light of the planet. But, no, I didn’t feel like dancing, no. * The recording – the dis – recording –, the noises; but the replicants and the clinamen, as well as the workmen, seem part of the machinery, the war machinery that undertakes the dis-ordering of a life-related law. * The technical solution that inter-mediates between the recording and the dis-recording, we know nothing about. * You mean the whole issue lies with the production and the workmen and the means by which the latter produce the planet. If a planet is being produced. Precisely this planet.

José Manuel Sande

NOISES OFF?

La paradójica relación establecida entre
consumidor-espectador-receptor-degustador bullicioso y una
intervención-interpretación minimalista, austera, reforzada por un artista
capaz de perfeccionar el happening o la interpolación artístico-existencial
tradicional. ¿Experimento? ¿Improvisación? ¿depuración extrema? ¿el rey va
desnudo? ¿Duchamp redivivo? Fusión de Zorn y Walter Benjamín, Coltrane y
Deleuze, Can y Debord, que nos devuelve nuestra imagen velada. “Ya no hay
tragedia en mí vida, no puedo escribir más canciones”, decía un viejo auriga
de apellido Reed, la in(ter)ferencia ruidista es el apéndice final del
capitalismo. Hemos ocupado nuestra tierra, el espacio de un silencio
amplificado que comprende transgresión, obstáculo maquínico, itinerancia
gozosa (aunque doliente), simulacro o remedo por el que vivimos una mínima
“hora de la verdad”. En expresión de Roland Barthes, la abolición de la
polisemia (la claridad) está al servicio de la ley. Toda palabra está al
servicio de la ley. Y el contexto empaña nuestras experiencias, descubriendo
una construcción impecable, el sentido último de toda alteración auditiva,
la conversión del espacio intangible en valor, plusvalía, elemento capital.
Y alguien dice: me voy a tomar una copa. El tiempo es ahora la
simplificación vertebrada del capital: provecho y practicidad. Rechazo de la
experiencia y reduccionismo terminal: no tengo tiempo para esto. La Historia
se erige sobre nuestras limitaciones y respondemos con candorosa inercia.
Mas la inocencia murió, el candor no existe. Culpables y responsables de
nuestras heces, ruidos de tu sistema nervioso alterado, quizás por siempre
corrompido. Compra pues una entrada, el valor será añadido. Poesía, negación
del trabajo, interrupción del devenir fingido que hemos tejido con obstinada
impunidad. La insurrección, sin embargo, ha ocurrido.

-CONVERSATIONS
-DECISION
-CONVENTIONS
-BEING THERE

I wanted to use a decision as my instrument.

Roberto would record the concert and when the audience clap
he would press play at the recorded file.

I do not want to be subjected by aesthetic judgments (this
sound has better quality than this other sound).
I would rather do something that helps us to challenge what
our notion of aesthetics is. I also want to challenge the
framework that we are working with.

Many musicians are so obsessed by the way they deal with
their instrument.
This works as a way of reinforcing our role as musicians,
authors, individuals, rather than bringing ourselves closer
to the audience.
Free improvisation:
To what extent are we free when we improvise?
To what extent we improvise when we play in concerts or in
festivals?
The freedom in improvisation is determined by the
framework or context that we are working with.
Why do we accept the limitations or accepted habits of the
framework?
If improvisation is succesful it should devour its own
limitations.

I want to be there with the rest of the audience hearing,
seeing, being present at that time and that place.
Sharing time together but not in an obvious way.
I was there like the rest of the audience, no instrument or
craft to hide, I might had a privileged position
(performer) and knowledge (my decision), but I wanted to
use this opportunity as material to challenge the framework
and to question what artistic production is.

It was the hardest concert that I have ever been involve, it
created a very different perception of time, extremely
slow!!!

But afterwards and I can say that something happened, I am
still trying to figure out what was it that happened.

Keith Rowe talked about slow burning and fast burning
politics within music:
slow burning=AMM
fast burning=Cardew’s People’s Liberation Music

I hope that by my difficulties in understanding what
happened in this concert makes it fall into the first
category.

Response by Keith:
He found it authoritative, like hostage taking, like “look
at me, I am the artist”
Venues have doors, and I am not interested in reaffirming
anybodies taste or pleasure.
How is it that somebody who makes these sounds which for
most of the society might be alienating, then says that
what I have done is
alienating? for whom and by whom?
What are the limitations of that freedom that free
improvisation tries to promote?
In a concert situation what the aspects that are not usually
questioned?
and which ones are questioned? again we get back to
aesthetics, these aesthetics are subject to trends and
individual tastes

Conventions accepted through repetions and habits.
What does it mean to play with somebody else?
With somebody who does not ask you what you are going to
play?
Or how should we do this together?
As Keith Rowe mentioned when talking about AMM, if you do
something and I don’t like it, is my problem.
This time apparently it was my authoritative problem?
What is it that it makes me authoritative? The execution of
the freedom that improvisation promisses?

When Improvisation becomes closer to politcs:
social relations involving authority or power

There is always going to be power relations (Foucault),
the question is to make them apparent, to question them
and to challenge them practically, how?
that is a key question!
Hopefully trying things out without being scare or even
caring for failure or success

Mattin
———————–
Fotos: Victor E. Perez

el miedo ensordece
la paura rende sordi
beldurrak sortzen du

a.m.

Dedalu es una pieza de media hora en la que las frecuencias evolucionan lentamente según un esquema repetitivo genuinamente minimalista. Este planteamiento formal es tan sencillo en su concepción como difícil de ejecutar con éxito sin caer en la repetición superflua o el hastío. En mi opinión, este es un tipo de composición ideal con la que trabajar cuando los intereses de un artista se centran en las cualidades tímbricas antes que en ningún otro aspecto del sonido. Y en cuanto a timbres y armónicos, Oier Iruretagoiena parte de algunas ideas eficaces que se van sucediendo con un finísimo sentido de la cadencia rítmica. Pero que nadie espere encontrar aquí música convencional. Esta pieza es un recorrido que propone, sobre todo, una exploración sonora en la que el paso del tiempo se deja sentir como si fuese algo real y tangible. Los tonos no forman melodías ni acordes al uso, sino más bien capas de sonidos imbricados que resultan en un paisaje sonoro irreconocible y complejo que deja, al final de la escucha, la sensación de haber tenido una experiencia a la vez musical y orgánica. El gran logro de Dedalu es que mantiene un equilibrio entre todos los distintos parámetros del sonido: la estructura es extremadamente repetitiva pero la acertada sucesión de elementos impide que la conciencia del oyente se desentienda de la escucha; los sonidos empleados no son bucólicos, pero tampoco hay estridencias ni clichés efectistas propios de muchos trabajos de ruidismo. En Dedalu percibo, sobre todo, tensión. Una tensión que me atrapa y en la que me complazco. Es como ese bucle de un sólo compás de batería que te gusta tanto que te pasas horas escuchándolo y termina por convertirse en el fondo sonoro de tus pensamientos. Cuando termina su escucha, Dedalu permanece vivo dentro del oyente.

Durán Vázquez

El concierto que Arditti quartet ofreció el pasado lunes en el Kursaal de Donostia fue un lujo. Lujo, por la acústica del espacio en el que se desarrolló el evento, lujo por lo exquisito del concierto, lujo por el (popular) precio de la entrada y lujo, porque cualquier concierto de la Quincena siempre tiene ese tinte de elegancia, en algunos casos quizás exagerado y en otros necesario… o no tanto.
Tengo que admitir que cada vez que me expongo a estas situaciones (un tanto inusuales para mí) no puedo evitar prestar más atención (o por lo menos tanta) a lo extra-musical que a lo estríctamente musical. Me encanta observar este tipo de acontecimientos sociales en las que las características del momento redimensionan inevitablemente lo musical, y lo procesan tal y como lo haría un efecto sonoro cualquiera (Miguel Prado lo confirma en el artículo anterior). El espacio, las reacciones de la audiencia, el significado político de los lugares… todos ellos son métodos de procesamiento que cambian nuestra forma de escucha y por tanto pueden cambiar irremediablemente los valores implícitos en la propuesta artística.
En el caso concreto del concierto del cuarteto Arditti, este hecho fue más que visible. Ante un aforo, aunque no repleto pero lleno a media sala, la actuación dió comienzo ordenadamente siguiendo los canones de la música clásica, con sus tres llamadas de rigor para la audiencia. Irvine Arditti y sus compañeros se presentaron también al modo clásico: aplausos nada más pisar el escenario, reverencias, partituras, más aplausos, más reverencias… en otras palabras siguiendo el protocolo de la música clásica o “culta” que diría Alessandro Baricco. Sin embargo, la extremada delicadeza de su propuesta contrastó con un público que muchas veces no esta acostumbrado a vivir este tipo de situaciones y por momentos puede reaccionar de formas insospechadas. Y todos los que el otro día nos reunimos en la sála de cámara del kursaal fuimos testigos de un ejemplo muy clarificador de este hecho, que ahora relataré:

Tras una excelente primera parte de concierto y antes de comenzar con la segunda parte, un señor de avanzada edad entró justo tras el último aviso en la hasta entonces silenciosa sala, eligió asiento (casualmente cerca del nuestro) y sin quererlo (aunque no estoy seguro de ello) abrió la caja de pandora. Aquello fué sentarse y ofrecer un concierto en solitario: toses, gruñidos, telefono móvil sonando, movimientos de todo tipo y sobre todo, un apoteósico final que dejó atónitos a todos los presentes, incluidos los músicos en escena. Durante los últimos compases de una espectacular interpretación de cuarteto nº2 de Ligeti, que además cerraba la actuación del cuarteto, al señor (¿deberíamos de llamarlo tambien músico? ) no se le ocurrió otra cosa que abrir un caramelo reineta, (probablemente uno de los caramelos más sonoros que conocemos) generando con tan pequeño e aparentemente inofensivo objeto el caos en el escenario. El sr Arditti fue el primero en perder los nervios y sucesivamente todos los componentes llegaron a perder la concentración precisamente en un momento tan especial como el último minuto de la pieza de Ligeti y por consiguiente de la hora y media del concierto. El señor reineta ni se inmutó, ni ante las amenazadoras miradas que Arditti y los suyos le lanzaban desde el escenario ni ante las que el público le dedicó (deberíá de decir, dedicamos). Aún más, lejos de limitarse a ello, al finalizar el concierto (ante el disgusto de los músicos en escena, uno de los cuales movía la cabeza de izquierda a derecha mirando al suelo diciendo “no me puedo creer que haya pasado esto”) fue la única persona de toda la audiencia que aplaudió la actuación poniéndose en pie….  Por un momento pensé (y supongo que todos los alli presentes pensaron algo similar) que se aplaudía a sí mismo, o quizás al cuarteto, pero más que por su actuación, por aguantar estóicamente semejante prueba.

De una forma o de otra lo que dejo claro este, no se si llamarlo anécdota, interferencia, intervención, casualidad o directamente sabotaje, es la fragilidad y la falta de flexibilidad que esta música autodenominada como contemporánea muestra ante las diferentes situaciones públicas a las que se puede enfrentar. Evidentemente se trata de una música diseñada para degustar en silencio, sin amplificación y cómodamente, para lo cual el espacio elegido en esta ocasión se presentaba perfecto, pero…. no nos debería dar que pensar que un simple señor con un caramelo reineta pueda frustrar un concierto que guarda tanta información, tanta densidad, horas de ensayo.. a fin de cuentas tanta historia?
En un mundo gobernado por el ruido constante tiene alguna lógica definir esta música tan exigente como contemporánea?
Debería la contemporaneidad (en este caso en la música) ser más consciente de las realidades sociales y culturales y adaptarse a ellas en vez de resguardarse cual cadáver exquisito para contadas ocasiones?

Independientemente de este posible debate (los que me conozcais sabeis que me encanta debatir), vuelvo a insistir en la necesidad de socializar este tipo de propuestas artísticas, porque aún con el añadido del “efecto reineta”, la música interpretada brillantemente por Arditti nos ofreció momentos brillantes (las interpretaciones de las composiciones de Pascal Dusapin, Francisco Guerrero y Györgi Ligeti fueron realmente impresionantes) que independientemente de los gustos personales deberían de ser consideradas como un tesoro cultural.

Xabier Erkizia

PD: Paradógicamente acabo de encontrar en la red una entrevista realizada por el diario méjicano “Jornada” a Irvine Arditti en la éste que reivindica el carácter social de la música. Una aportación más al debate propuesto:
‘La música, al igual que las demás expresiones artísticas, es siempre el reflejo espiritual e intelectual de una sociedad. Sin ella seríamos un mundo mecánico, carente de alma, una suerte de sociedad primitiva. La música es sin duda una reflexión social”.

Dínamo – Festival de música exploratoria – Barcelos

Sábado 26 de Julio.

Biblioteca Municipal

Mattin / Taku Unami / Jean-Luc Guionnet

En la segunda noche del festival Dinamo y tras la actuación de Anette Krebs, la organización del festival nos manda desalojar el auditorio. Pasados unos minutos nos comunican que se podrá ir entrando en la sala de “uno en uno” dejando un intervalo de tiempo entre cada. Yo entro el segundo, la sala está casi a oscuras, solo ilumina sobre el escenario una pequeña jardinera roja a los pies de Taku Unami. Mattin (que espera tras la puerta) me dice ” Para participar de este concierto, tienes que caminar en círculos alrededor de Taku”.

Bajo las escaleras y veo un cuerpo estático sentado en la derecha del escenario. Comienzo a realizar mi orden y al poco va entrando más público: Una chica comienza a tararear una canción en el fondo del escenario, otra desde las escaleras ríe intermitentemente, alguien aplaude, veo un brazo extendido con una mano cornuda. Taku con el brazo escayolado por completo comienza a tocar la guitarra de manera muy rápida, como un intérprete de heavy metal, en los momentos en los que descansa una chica tiene la orden de darle un masaje, alguien comienza a dar unos fuertes golpes contra una puerta al tiempo se escucha un vómito fingido desde el anfiteatro. Jean Luc Gionett empieza a tocar desde el backstage algunas notas con el saxofón y es reclamado a gritos por un hombre, un puño alzado desde el escenario, alguien sacando fotos desde la silla que debería de ocupar Mattin, donde se encuentra su ordenador que es amplificado y desamplificado. Tras un rato de cumplimiento circular de estas ordenes se escucha “What are you doing?” no hay réplica. Mas tarde la pregunta fue de nuevo formulada y tuvo respuesta “Music!!!”

Pasado un rato algunos que descuidaban sus ordenes, se sentaban en las butacas y observaban el espectáculo. El organizador el evento se coloca de espaldas al escenario y en bucle repite esta frase “This concert will only finish when everyone agrees, otherwise it will go onâ€? yo me siento satisfecho del concierto y dejo el escenario, veo como Mattin lo observa desde el centro del palco. Tras un tiempo la gente que continua participando decide manifestarse diciendo “i agree”. Cuando fue de forma unánime el concierto se consideró por terminado.

De que habíamos formado parte en aquel espacio de tiempo?
Fue rota una rutina, un ritual construido, mediante el uso de uno nuevo creado para la ocasión. Mientras que el primero forma ya parte de los arquetipos sociales que nos ha tocado vivir: esperando todos a que el concierto comience, permaneciendo atentos a lo que ocurre o interaccionando con el contexto adecuado para ese espacio y cuando nos toca, aplaudimos a los intérpretes. El segundo se configura como revulsivo, observamos que hay una orden, un mandato que podemos o no acatar, pero solo si lo aceptamos formaremos parte del espectáculo. Fue curioso observar como en gran medida cumplíamos nuestro objetivo de la manera mas precisa que conocíamos, es posible que quisiésemos formar parte de aquello, al fin y al cabo era divertido e interesante, la gente parecía disfrutar. Formábamos parte de una idea diferente de cultura y espectáculo. Una reinterpretación de W.Benjamin por parte de Mattin “Una cultura desnuda de aplicaciones prácticas y destructora de derecho. Una cultura que no se pueda definir en términos de la propiedad intelectual, porque es intrínsecamente colectiva. Una cultura que constantemente esta destrozando cualquier noción individualista. Una cultura trituradora de egos, unos egos que nunca pueden recomponerse para volver a estar solos”. Y de hecho creo que es interesante pensar acerca de nuestra noción individualista en aquellos momentos. Hay una identidad (en este caso Mattin) que nos da unas instrucciones, este mandato podemos entenderlo como “dictatorial”, porque no hemos podido decidir nuestra acción….. al cabo de un rato podemos pensar en nuestras libertades individuales mientras que realizamos nuestra función, nuestras libertades a la hora de improvisar sobre esta función… es posible que aquí exista una analogía con las libertades de un improvisador. ¿ que margen de acción libre y directa tienen los improvisadores? En la actualidad ciertas corrientes dentro de la improvisación han tenido tiempo para crear una ortodoxia, una serie de ataduras formales, que no separan mucho el papel del espectador girando en círculos, del músico que pierde ese gran campo de acción en pro de la caricatura de estilo.

No pretendo entender este espectáculo como definitivo como “arte total”, al contrario (citando a Mattin de nuevo) lo quier entender como una “Praxis sin construir”. Creo que los límites de las instrucciones de Mattin no eran absolutas no estaban del todo definidas, mas bien ciertas reglas internas eran las que nos obligaron a ser cuidadosos con nuestra función. la reflexión de lo allí sucedido hace frágil nuestra comprensión, tiende al debate y a la duda, eso es para mí lo maravilloso. El “estar de acuerdo” unánime, conserva la libertad que nos permite acabar con el juego cuando nosotros deseamos.

“La industria cultural tiene la tendencia a transformarse en un conjunto de protocolos y justamente por ello en irrefutable profeta de lo existente. Entre los escollos de la falsa noticia individualizable y de la verdad manifiesta la industria cultural se mueve con habilidad repitiendo el fenómeno tal cual, oponiendo su opacidad al conocimiento y erigiendo como ideal el fenómeno mismo en su continuidad omnipresente”

Max Horkheimer & Theodor Adorno
Dialéctica del Iluminismo

Miguel Prado

Septiembre 08

Anti-Copyright

“Broken Subject” debe estar referido a una frase en la que el sujeto sean los altavoces. Y es que tengo la impresión de que si no voy con mucho cuidado a la hora de reproducir este disco, algo muy malo les va a pasar. Frecuencias extremas y feedback con una sensación de bits reducidos, cortes abruptos tras inquietantes momentos de silencio, leves modulaciones bastante desquiciantes y otras experimentaciones bastante directas, nada rebuscadas, son los elementos en la paleta del autor. Su puesta en escena se realiza con la precisión y delicadeza propias de un cirujano-hipnotizador de tendencias psicopáticas. Lo poderoso: y es que por muy fríos e incómodos que parezcan los sonidos, son también finos y elegantes, y están dispuestos con una absoluta exactitud para que te enganchen, y absorban. Puedo percibir como hacen daño a mis oídos, como pequeños bisturís que rasgan mis tímpanos, pero no por ello puedo parar de escucharlos. Tengo que imponerme el “stop” antes de que el daño sea irreversible. Así que es esta mi obra favorita del autor, por su binomio brutalidad-delicadeza, por su extremada riqueza, clara, directa, por la amplitud de lecturas que provoca una abstracción tan minimalista, y porque simplemente, y mas que nunca, me “engancha” sin remisión. Por su crueldad exquisita hay momentos en los que vienen a mi memoria los primeros Whitehouse, en una era (casi redefinida con este disco) post-digital, música que empieza a crearse cuando el laptop esta tan roto como pronto lo estarán tus altavoces.
-Miguel A. García

FREE SOFTWARE SERIES 

Broken Subject en archive.org 

GESAMTKUNSTWERK

nunca he creído en ningún tipo de obra de arte total; siempre ha habido matices y por supuesto imprecisiones, pero para nada nunca he encontrado un absoluto, sobre todo hoy, cuando las verdades quedan sometidas a los desbarajustes contextuales. ante el último álbum de baba llaga me ocurre lo mismo.

“gesamtkunstwerk” afirma como nuevo trabajo una intencionalidad, a mi modo de ver imprecisa y no resuelta, de un doble diálogo de sublimación pero a su vez ironía. con esto no quiere decir que estemos ante un mal trabajo, ni mucho menos, pero con respecto a la propia trayectoria de baba llaga, queda un tanto disperso o con falta de claridad en su propia estructura.

si hacemos comparación con el sorprendente “el último viaje de vasilissa” o su homónimo, nos damos cuenta en este último trabajo que la producción ya no es de culo, sino simplemente ausente, aunque esto apunta a una total declaración de intenciones, que ¿hasta qué punto se suple con un contenido potente?

respecto a su escucha, el álbum comienza con unos temas potentes y punzantes que luego se pierden en una dispersión con unos temas que podrían haber estado más sintetizados, donde se produce una inevitable sensación de escucha “de relleno”, solamente suplida por los pocos temas más poperos y melódicos. con esto nos encontramos a unos baba llaga a medio camino entre la improvisación más ajustada y un residuo pop carnaza para público hambriento, por lo que aquí es donde veo un conflicto que sólo ellos pueden resolverPOSICIONAOS

.carlos valverde

a 01 b 02 c 03 d 04 e 05
f 06 g 07 h 08 i 09 j 10
k 11 l 12 m 13 n 14 o 15
p 16 q 17 r 18 s 19 t 20
u 21 v 22 w 23 x 24 y 25
z 26

0512 1321140415 0405 121519 06182109200919 0519 132125 040922051820090415

http://www.xedh.org/reviews/xedhlive_301107_valverde.html

.. no deja de tener cierta emoción emprender un desplazamiento de 160KM (idayvuelta) incluyendo una contrareloj sorteando todo tipo de obstáculos urbanos, para terminar de completar la pequeña comunidad de acólitos que arropan las exhibiciones de arte sonoro de artistas locales ..

.. emocionante es también sentarse y desear con todas tus fuerzas que te sorprendan, te zanrandeen y te hurgen en los sentidos auditivos una vez más. Y si después del voluntario sometimiento al deleite de cuerpo y alma, te quedan recuerdos_secuela en los que se puede bucear dos días después, la experiencia eleva a ese músico local a la categoría de CHAMÃ?N (o Jedi, también sirve!)

Sin entrar en aspectos técnicos, eso que lo resuelvan los técnicos de Krickrac, el paseo sonoro del viernes para mi gusto tuvo de todo, interesantes espacializaciones, asombrosos efectos sonoros, sustos, graves de ultratumba, digitalismos, suciedades LOFI, analogismos y destrucción, .. todas las armas que normalmente el artísta X. acostumbra a emplear. Pero, esta vez (.. y otras también ..) haciendo alarde de destreza y peleando trinchera, un descuido y el espacio negro se lo engulle TODO! Y añado, “Si eso es NO manejar cualidades estilísticas que venga López y nos ponga vendas”

Tal vez costó entrar (y salir), demasiado tiempo esperando en la puerta .. tal vez para que pasaramos todos dentro y así ser absorbidos de golpe y todos a una al mundo de herrumbre, sangre y maquinaria diabólica -para respirar una sinfonía imposible de entender para oídos sin un preliminar, que fueron los primeros en sucumbir!

Mucho de XEDH y mucho de autor!!

Todo un espectáculo al interior con visiones de TERROR!! .. un género ampliable dentro de la música experi(m)encial. Y por supuesto (buscando analogías en otro lado) más cerca de Cronenberg que de Rob Zombie.

- Tzesne