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Edorta Izarzugaza nos deja bien clara su trayectoria a un mismo tiempo que apunta posibles direcciones para trabajos futuros. Quienes hemos ido siguiendo el rastro de este músico bizkaino sabemos que el suyo ha sido un camino de costosa búsqueda y descubrimiento. Y, tal vez, más que en el caso de otros creadores. Sé de hace mucho que el valor de la obra artística, no reside tanto en el producto final como en el proceso creativo, en el camino de lucha con uno mismo y las posibilidades. Hay personas muy capaces de generar a ritmos desenfrenados “productos”; a estas el camino no suele resultarles tán áspero y trabajan por acumulación. Hay otras en cambio (y en medio, por supuesto, una gran variedad de actitudes mixtas; caracterizo los extremos por economía) que viven el proceso más lentamente, con mirada más microscópica, y para quienes recorrer el camino resulta una tarea llena de posibilidades, tantas como dolores caven en la cabeza. En el caso de Edorta Izarzugaza, me atrevería a decir que la vivencia del proceso es de este último tipo; que le resulta mucho más difícil, o si se quiere, sufrido (considerando este sufrimiento en un sentido positivo dentro del marco de la creación) lograr obras con las que se sienta realmente satisfecho. AUTOERREGISTROA es desde esta perspectiva una obra muy interesante ya que puede ser entendida como señal de un proceso vivido arduamente, como reflejo de una evolución personal. Con un significativo juego de palabras entre AUTORETRATO (el clásico género de onda tradición en el mundo del arte) y ERREGISTROA (en alusión al registro, a la “grabación” que apunta al campo de los tecnológico-sonoro), y un interesante trabajo de portada y contraportada (donde muestra, como si del documento de una Performance se tratara, una acción con elementos muy cercanos a su mundo cotidiano del trabajo) empieza la escucha a estar claramente orientada hacia la introspección. Tratando de mantenerme al margen de etiquetas fáciles para llamar a las formas de trabajar el sonido, creo que lo más acertado sería hacer énfasis en el hecho de que en las tres composiciones que forman el disco se observa un desplazamiento claro desde un punto más intuitivo e improvisatorio hacia otro momento más analítico y calculado. Y es que los títulos mismos de los trabajos lo indican. El de la primera, GORDINIK, que en euskera significa “crudo”, nos apunta perfectamente la crudeza en la forma de hacer. En clara alusión a una más intuitiva y desnuda improvisación como recurso creativo, este tema está grabado en una acción en directo ejecutada en la sala Rekalde de Bilbao dentro de la instalación sonora de Ernike Urtado de IXI software. ONARPENA (“reconocimiento”), se trata de una pieza bastante distinta aunque con fuertes reminiscencias aun al tipo anterior. Sin despegarse del todo de cierto sabor a improvisación, la pieza está concienzudamente compuesta introduciendo grabaciones de campo en un calculado juego donde se percibe una total intencionalidad en cada uno de los sonidos. Como si de un viaje submarino se tratara va desplazándose desde sonidos más ruidosos y distorsionados, pasando por un paisaje de atmósferas cromaticamente muy variables hasta llegar al final de la misma, donde introduce sonidos solfeísticamente tradicionales a través de los acordes de una guitarra eléctrica. Esto me lleva a pensar que, tal vez, el titulo indique un reconocimiento del camino que esta siguiendo, de ese desplazamiento hacia formas más “musicales” que, (no por capricho consciente, sino por exigencias del deseo creativo) le llevan a un punto donde debe reconocerse necesariamente para poder continuar. BIDE GURUTZEA, encrucijada, podría leerse como un intermedio entre esos dos caminos de las piezas anteriores. Como una dubitativa pausa frente a dos posibles caminos; el de la más intuitiva y fresca improvisación y el otro mas analítico y calculado de la composición de estudio a base de materiales previos. Y no es casualidad que, si GORDNIK estaba grabada en una acción en directo, y ONARPENA era una composición de estudio, BIDE GURUTZEA sea un intermedio, una mezcla de ambos caminos. Por lo que he podido saber, se trata de una pieza compuesta (esto es, calculada y medida) pero a un mismo tiempo preparada para ser llevada al directo, con los amplios márgenes para la improvisación y la ruptura de lo previsto que todo directo de este tipo de músicas suponen.
En cualquier caso un disco que merece la pena escuchar para acercarse y entender caminos futuros en la obra del músico bermeano.

Victor Elorduy

http://www.gatza.org/hamaika07.html

http://www.muxika.info

XEDH – AGUJERO NEGRO
Hamaika (http://www.gatza.org/hamaika.html) edita “Agujero Negro” un
nuevo trabajo de Xedh que sirve como testamento artístico de una forma
de entender el ruidismo.

Las composiciones de este álbum se engloban en las tendencias del
power electronics y el noise, aunándose estilísticamente con
composiciones anteriores de Xedh junto a Válvula Antirretorno y su
álbum en solitario “La Indiferencia Demostrada”, aunque existe también
una clara relación con las formas ruidistas de Whitehouse o Sutcliffe
Jugend, teniendo este álbum muchos puntos en común con el “The victim
as beauty” de estos últimos.

El álbum esta cargado de tensos chirridos y esquizofrénicas y
obsesivas percusiones que sirven como lienzo atmosférico para unas
partes vocales en las que se promulgan dañinos testimonios de oscuras
desviaciones y sexualidad desbocada. Pero en estas partes vocales,
frente a la recurrente visión masculina que encontramos en la gran
mayoría de composiciones del estilo, Agujero Negro aporta el tema “No
pito listo” en donde es una mujer la que desarrolla un contundente e
hiriente monólogo en el que demanda satisfacción sexual.

Agujero Negro está cargado de enfermizas composiciones que no son
fruto de una sesuda concepción, sino de una pasión visceral. Malsanas
desviaciones de los preceptos del rock n´ roll puestos al servicio del
ruidismo más hiriente y que sirven como exorcismo de una enfermiza
tensión sexual que se prolonga durante todo el álbum para terminar
resolviéndose en el tema “me corro”, tras lo cual se pasa a la
tranquilidad final en “Auf wiedersehen”.

El discurso estético de esta obra refleja en lo sonoro las mismas
obsesiones malsanas que podemos encontrar en el “Psichopathia
sexualis” de Von Kraft-Ebing o en las obras de temática sexual de Hans
Bellmer.

Agujero Negro es un epitafio que sirve a su autor como liberación
(eyaculación) para desterrar de su mente tanto pasadas obsesiones como
preceptos estilísticos adquiridos durante su bagaje en el mundo del
noise. Pudiendo así dirigir sus nuevas composiciones a  otros terrenos
de experimentación sonora y abrazar otras nuevas concepciones del
ruidismo.

En resumen, un maravilloso álbum de impecable factura que hará las
delicias de los seguidores del ruidismo en todas sus vertientes, y
especialmente de los que gustan de sus formas más cafres.

Alejandro Durán

Os copio unas críticas que hice para el  Mondo Sonoro

Inmóvil, destrozado – A C O J O N A D O – , seco; lo poco que puedo añadir tras la escucha de Agujero Negro. Tras Serpents, Xedh no había producido un trabajo tan absolutamente agresivo y demoledor, que se autoafirma como una de las propuestas más interesantes producidas a nivel nacional.

Agujero Negro ofrece trece temas que sumergen de lleno al espectador en un ataque de estructuras sonoras opresivas, contundentes, tremendamente oscuras, en las que apenas hay un pequeño descanso para el oído frágil. La armonía do-re-mi-fa-sol-la-si ha quedado obsoleta, vacía, afincada en el estatismo, y en este sentido Xedh lo tiene bien claro: niega el lenguaje armónico ornamental, destrozando -literalmente- su estructura para crear en base a sus desechos nuevas estructuras indagando, como principio creativo, en los aspectos más puros y esenciales del hecho sonoro.

Con una ejecución impecable, cada integrante de este todo se sucede uno tras otro de una manera lógica, estructurada, en la que ya no queda ningún metarrelato que nos aburra en ir más allá que sus propia naturaleza perceptiva – su formalismo implicita su narrativa.

Agujero Negro actúa vampirizando nuestra energía para engrandecer su naturaleza sonora, anulando totalmente al espectador que queda “enérgicamente seco”, ante la proyección de su energía “robada”, ejecutado como principio antiestético para el formalismo obsoleto.

Estableciendo narrativas externas como ejemplos, Agujero Negro prodría ser perfectamente el paisaje sonoro de las pesadillas que atormentan a un Cronenberg encerrado eternamente en el Tetsuo de Shinya Tsukamoto.

Carlos Valverde
HAMAIKA RECORDABLE : http://www.gatza.org/hamaika.html

Interesante concierto (aunque accidentado) el que bajo el nombre ??? jaialdia pudimos presenciar en el Mogambo de Trintxerpe. Aunque el cuarteto bera-eibartarra que en principio abría cartel no pudo estrenarse por problemas de última hora, los allí asistentes pudimos escuchar a ANTOINE CHESSEX y JOSETXO GRIETA en dos abrumadores sets. Y cuando digo “escuchar” y “abrumadores”, se debe de entender literalmente, hasta podría añadir “forzosamente” porque ambas actuaciones fueron de gran intensidad y volumen. Hasta demasiado, por ejemplo con Josetxo Grieta que abrieron noche en esa meca del grind llamada mogambo, que, hay que decirlo, sigue manteniendo el mismo espiritu que hace diez años, detalle que hay que agradecer a sus gestores. Volviendo al concierto, como decía, Josetxo Grieta hicieron un interesante concierto (nos tienen bien acostumbrados) equilibrado entre composición a tiempo real e improvisación, entre canción y flujo surrealista, siempre aderezado con la curiosa performatividad que los caracteriza. Un estar sobre (y debajo) de escenario que mezcla por una parte esa parte casi teatral pero siempre tan polémica como confusa (totalmente intencionada) de mattin, con la tensión de Josetxo Anitua, que muchas veces parece intentar controlarse a sí mismo para no explotar antes o más de la cuenta. Sin embargo esa intensidad contenida del escenario pasó factura a la actuación que en un alarde de frecuencias extremadamente agudas (cortesía de mattin) venció a la capacidad del equipo de sonido (tampoco es la primera vez que somos testigos de una situación similar, por desgracia…), ofreciendo como resultado un espectáculo de humo proveniente de las trompetas de agudos que obviamente supuso el repentino fin del concierto de los de bizkaia. Tras unos momentos de confusión y descanso para los oidos (lo de JG pasó factura a los asistentes), el suizo Antoine Chessex atacó (esta vez sin equipo y apoyado sólo por su ampli, más que suficiente para su actuación) con un set que sin duda hizo justicia a lo que rezaba el cartel. Un pildorazo de doom-impro-noise con el incesante saxofón y su gutural voz como único instrumento. Chessex sonó como un hombre-orquesta poseido (con cierto toques de humor?) por espíritus metálicos que hacian sonar su saxo por momentos como una gigantesca guitarra electríca. Una sesión que gustó mucho (saltaba a la vista) al público grind y no grind, gracias a su (supuesta) simplicidad y direccionalidad sin tapujos. Casi como si de un Phill Niblock metalero se tratara, lo de Chessex (miembro de la formación Monno) fue oscuro, intenso y directo… a la yugular.

pd: por desgracia no tengo ninguna foto del concierto, pero pude ver al equipo seriesnegras retratando lo acontecido, asi que a ver si ven la luz esas fotos! queremos un flicker seriesnegras ya!

xabi

Xabier Erkizia – Entresol (Antifrost 2004)

Hacia ya tiempo que rondaba por mi cabeza el hacer un analisis, un poco detallado, de este album.
Ya desde un primer momento me atrajeron sus cuidados sonidos, caracterizados por un pulimiento y un brillo muy fuera de lo común. Pero su composición y su flujo tan complejo y repleto de minimos, minuciosos detalles, hacian que no me acercara hasta el con facilidad. Era obvio que era un album inmenso, pero tambien agreste.
Pero, quizá tan solo por esa apariencia, esa superficie, tan atractiva, tan bien hecha, no pude evitar reescucharlo
. Hasta que la lógica del flujo se revela, y los detalles no distraen, sino que forman parte de una riquisima estructura por la que solo hay que dejarse conducir.

Partes:
La primera se traza en base a particulas de ruido blanco (digo ruido blanco por cercania, pero el que suena es precioso y orgánico, repleto de matices, muy diferente del teorico) que se deslizan continuamente por todo el panorama estereo, con ocasionales apariciones de subgraves, apagados, sonando como el eco de algo muy lejano, y pequeñisimos glitches. La creación de un paisaje sonoro tan rico y “exquisito” en base a un elemento que habitualmente considerariamos deshecho (una acepción mas de ruido) solo puede hacer que nos replanteemos muchas preconcepciones. Especialmente logrado me parece el momento en el que el “ruido” desaparece y oimos, con gran nitidez, un limpio, limpisimo subgrave que aparece bajo la superficie (admito que en ese momento, al menos durante las primeras veces que lo oi, experimente una “apertura de oidos”). Las particulas de ruido blanco van ganando en intensidad y duración durante la segunda mitad del tema, hasta acercarse a casi un “drone” Francisco Lopeciano, pero siempre con una fuerza muy, muy controlada. Una evolución desde la particula hasta la continuidad, intuida.

El segundo tema se abre con un glitch tremendamente hiriente, a un volumen muy superior respecto a todo los sonado antes. Hay que ser hijo de puta se podria pensar. Sin embargo, a pesar de su brutalidad (mas que nada por contexto) el sonido y su forma son preciosos e impecables, y lo que logra es que despertemos, marcando un punto y aparte. Nuevas particulas de un ruido blanco, diferente, quizás con un sabor mas electrónico, y aparición de frecuencias muy altas, puras y continuas, recordando a los TVPow, se van sucediendo. Si el tema anterior traia a mi memoria una cierta “poética de la mesa de mezclas”, la magia de lo analógico, ahora los timbres son mas directamente electronicos y cercanos al mundo digital.
Cuando el trance sonoro ya esta conseguido hace la aparición un misterioso sonido, casi melodico/tonal, pero sin romper con las cualidades abstracto-electronicas del resto de sonidos, dando al tema una connotación mas emocional. Y que me encanta.
El flujo de este tema, mi favorito, es inestable, en continua mutación, e inmensamente rico: los sonidos aparecen y desaparecen continuamente y se solapan formando ocultas melodias, hasta que de nuevo solo quedan intermitentes apariciones de ruido blanco, irregulares, como un humano queriendo evocar el sonido de las olas.

El tercer tema nos trae a la realidad, empezando con la grabación de campo de un sonido aún suave, de lluvia o agua, y salpicaduras, como una suave transición del mundo de la irrealidad electronica a la realidad de nuestro entorno (¿existen diferencias en tanto que habitantes del universo sonoro?). De forma repentina pero suave crece la intensidad y aparecen sonidos de viento, cascadas de ruido blanco que de nuevo me recuerdan a agua y un raro bucle, repetitivo, como algo que percute en el liquido. Los sonidos van y vienen, hacen aparición, de forma muy sutil, sonoridades mas electricas (¿glitches? ¿interferencias de radio?), hasta que al final todo queda en una relativa calma en la que los mundos sonoros imaginarios real-electrónico se confunden en el elemento “ruido blanco”. Y de forma muy silenciosa, con chirridos en la lejania, el album termina.

Reincido: la densidad de este album, por sus sonidos y asociaciones simbolicas, por sus muchisimas capas y por la cantidad de elementos, hace que no sea facil aprehenderlo. En su escucha mas superficial se puede disfrutar mucho, pero es tanto lo que contiene que ha de ser reoido, casi constantemente. En cada nueva escucha descubro nuevos elementos, nuevos significados. Contiene tantisimos lugares ocultos que no es de extrañar que su creador, tras muchos años en activo, halla decidido sacar solo este album.

Miguel A. García

No he podido evitar escribir una breve reseña (con el objetivo puesto en este foro) tras reoir este curioso album.
Todo se inicia con “niño muerto ochocuartos”, una improvisación muy peculiar, mezcla de cuerdas tratadas de forma poco ortodoxa, oscuros drones, pitidos de ¿juguetes?, diapasones, feedbacks y otros sonidos de extraña procedencia, todo con un sentido del “flow” un tanto caótico (pero existente), momentos muy sorprendentes en su paradoja y sobre todo, una originalidad muy de agradecer. Una sensación entre locura y juego infantil (pero no por ello menos serio), que me puede recordar a las performances fluxistas de Maciunas, a los discos mas acusticos del proyecto de Mr. Zan Hoffman “Zanstones” y a la obra del artista plastico Jean Dubuffet.
Lo mas flojo bajo mi punto de vista, el final a base de feedback guarrete, que nos intruduce de pleno en la tónica de lo que va a ser el resto del disco: mucho mas ruidoso, y en muchas ocasiones cercano al noiserismo “underground” mas aborregado, aunque encuadrado en un contexto a priori mas seductor que el estandar “phreak” en este tipo de producciones como es el mito de Gargantua. El transcurrir sonoro en estos temas es bastante irregular, con muchas oscilaciones “divagatorias”, pero con momentos de sorprendente riqueza (voces cantando por aqui, ruidos acusticos que cambian por alla, una marimba, silencios…).
Lo mejor de este disco, lo que supone: un canto a la libertad de expresión sonora, que no tiene ni que estar bien hecho ni que sonar bien, que se enorgullece de sus deficiencias y que en esa libertad, y casi sin querer, se convierte en revelador. Una especie de submusica, de nuevo punk que ahora (por fin!) se libera de verdad de los clichés de la música rock. Algo parecido a lo que intentabamos hacer en Baba Llaga antes de que nos corrompiera el arte conceptual. Eso si, hasta nosotros eramos mas hi-fi.

by Mikel A. García

> Gargantua (Hamaika 5) www.gatza.org

Hablando de críticas aqui hay una web donde se discute sobretodo el EAI (improvisación electro-acústica):
http://ihatemusic.noquam.com
Esta llevada desde los USA (Jon Abbey del sello Ertswhile que tantos discos de Keith Rowe ha sacado esta todo el día metido) y es en inglés, la gente comenta sobre todo los últimos discos que se han comprado,o los conciertos a los que han ido.
Ahora hay un debate interesante acerca del disco de Michel Henritzi “KEITH ROWE SERVES IMPERIALISM” que he sacado en mi sello w.m.o/r.

Me parece muy interesante que Xabi nos traiga este texto, con el que discrepo en cierto aspectos que mas tarde comentaré.
¿Que es la crítica y cual es su significado hoy?
El eipcp (instituto europeo para políticas culturales progresivas) llevan entre otras cosas el proyecto
transform que trata la cultura y su relación con la institución (y con la política). Muchos de los textos
en la web estan traducidos al castellano.Dentro de este proyecto esta el webjournal
transversal y uno de los numeros lo han dedicado al crítica.
Aqui podemos encontrar estos textos (todiavía no los he leido):

Judith Butler ¿Qué es la critica? Un ensayo sobre la virtud de Foucault
Hakan Gürses Para una topografía de la crítica
Loïc Wacquant Pensamiento crítico y disolución de la dóxa
Irit Rogoff Del criticismo a la crítica y a la criticabilidad
Marina Garcés Encarnar la crítica
Alex Demirovic Para una nueva formulación del saber crítico

Para tener una idea esto es lo que dicen en el editorial:

Cuando no se limita a observar a distancia desde el cómodo balcón de la teoría académica o protegida en el búnker de la crítica de arte, la crítica es algo más que emitir juicios. La crítica –cuyos diversos significados se han transformado en el curso de los siglos: facultad de discriminar, actitud crítica o actividad teórico-práctica– asume hoy nuevas formas: crítica en un sentido general y no ceñida al juicio sobre un tema u objeto, crítica corporeizada, crítica afirmativa, criticabilidad. Los textos de este número de transversal buscan actualizar esta renovación constante de la crítica, desplazando conceptos recibidos, inventando otros nuevos, y basándose en experiencias concretas, ejemplares.

(…)

Entiendo la crítica como una tarea de doble intención:
- Informativa y orientativa, es decir docente en el más amplio sentido.
- y azuzadora del medio cultural

Este punto de vista no es el más habitual, lo sé. A menudo la crítica transcurre en otros terrenos: el diletantismo esnob, el exhibicionismo, la obtención de estatus social, la canalización de frustraciones, el mero ejercicio de un placer solitario sin otro destinatario que el escribiente. Y otros más.
Acepto que no toda actividad del individuo debe estar motivada por su posible utilidad social y condicionada a ésta. Pero soy de los que creen que nadie tiene derecho a descerrajar sobre sus semejantes, indiscriminidamente, los productos de sus actos de autosatisfacción o de terapia personal.
Informar es difícil porque no existen datos absolutos, salvo los relevantes. Y orientar es imposible, en términos absolutos, pero es menos imposible si el crítico plantea su labor como un aporte dialéctico a la autocapacitación del lector para un consumo no pasivo de los productos culturales, objetivo que surgirá más naturalmente si el crítico es, antes, hacedor de hechos culturales. No hay verdades, pero debe haber necesidad de verdades. No debe abrigarse la esperanza de encontrarlas, pero es imprescindible buscarlas, incansablemente.
Azuzar para un consumo alerta y por ende para una creación responsable, es función de una actitud de cuestionamiento sin tregua del quehacer de los “agentes culturales”, de un compromiso apasionado con el hombre, de un ejercicio cotidiano de la capacidad de amar a todos los semejantes, de un credo irreductible en un futuro mejor, de una batalla permanente por ese futuro.
La objetividad no existe, lo sabemos. Pero a menudo olvidamos que la objetividad se consigue. Se consigue por la subjetividad franca, por la cartas sobre la mesa, por el juzgarse por las verdades provisorias posibles. Por la denuncia de lo tramposo, de lo injusto, de lo quietista, de lo reaccionario. Y por la defensa de lo noble, de lo justo, de lo honesto, de lo sano, de lo valiente, de lo arriesgado, de lo revolucionario.
(…)

Coriún Aharonián
Compositor, escritor uruguayo.
Conversaciones sobre cultura, música e identidad (Tacuabé. 1992-2001)