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Damo Suzuki’s Network en el Guggenheim de Bilbao dentro del MEM

Damo Suzuki’s Network
Los Sound Carriers esta vez fueron:
Haiku Kaiku
Rober!(Atom Rhumba), Murky (Ginferno), Xabel Vegas (Manta Ray), Mikel Abrego (Inoren ero ni), Galder Izagirre (Kuraia, Dut), Kaki Arkarazo (M-ak, Nacion Reixa, Negu Gorriak).

Finalmente los MEM han acabado en el Guggenheim, ¿es ésto bueno o malo?
Buena pregunta, el caso es que lo llenaron. Dejando este debate para otro momento hablaremos del concierto en si.
Los músicos empezaron a entrar uno por uno como suelen hacerlo las estrellas del Rock and Roll, y el caso es que hasta cierto punto lo son. Por un lado están las estrellas del Rock vasco y del indie nacional y por otra el legendario Damo Suzuki de los CAN que tanto ha influenciado a artistas como Mark E. Smith de los Fall. Al parecer Rober! ha sido el encargado de montar la banda de lujo. La puesta en escena era interesante, dos guitarras y tres baterías compartiendo piezas. Al principio se notaba cierta intención, los músicos habían preparado algunas ideas para acomodarse a la voz canina e improvisada de Damo. Esto pretendía ser algo especial pero a medida que el tiempo pasaba, uno empezaba a perder el interés. Las ideas estaban a medias y basadas en clichés del R’n'R, sin llevarlas a ningún conflicto intencional que pudiera producir riesgo. Se notaba que los músicos no podían salirse de los estereotipos de sus instrumentos, ni de las jerarquías típicas del Rock. El cantante como ídolo, el guitarra como cabeza y los demás como base rítmica. La diferencia es que el cantante sí estaba improvisando pero los músicos ibéricos no podían dar ningún paso individual, ya que estaban bajo la vigilancia policial del guitarrista, quien quería dejar bien clara su posición respecto a la situación. Tenían que improvisar pero bajo las estructuras sólidas y rígidas del R’n'R. A diferencia de este género, en la improvisación uno es libre de romper en cualquier momento con la pieza, y los demás músicos tienen que adaptarse a la nueva propuesta. En este concierto sucedió lo contrario, a medida que las ideas preparadas anteriormente se acababan, los músicos parecían más enquilosados y con miedo de meter la pata, hasta al punto que en las últimas piezas se les notaba incluso aburridos, como preguntándose ¿cuándo va a parar la bestia motorizada? Al final, a los músicos se les veía descolocados e incómodos, Rober! haciendo sus clásicos riffs, que los toca bien pero que también tiene sus límites, sobre todo en un contexto tan abierto como era éste. Murky fue probablemente el más interesante pero demasiado camuflado entre las multitud de sonidos. Los baterías se quedaron en una masa uniforme, homogénea y sin sacarle jugo ni al ritmo, ni al espastismo. Como un amigo comentó: Jaki Liebezeit lo podría hacer solo y con mucho mejor gusto. Damo hizo lo que tenía que hacer, se movía como un sapo sin patas y cantaba como una rana enamorada, un animal que necesita sonido como necesidad vital para vivir.

Valoración del MEM del sábado:

Bastante bien de público y mucha gente de grupos de todo pelaje, ví a los de Zein? estuve con Oier Tüsüri, los de Ya te digo y Luis Terán, Luix ,donostiarra pionero de lo industrial en Euskadi, lleva haciendo cosas (Linea Táctica,Compañía Euskalduna, Picnic, Vitaminas o La Afición) desde el 77.Bueno, al grano. Xedh estuvo bien, empezó solo y rítmico en esa línea suya que no sé si es por los sonidos que usa siempre me trae a la cabeza cosas de Warp y acabó muy bien acompañado de un trompetista y un guitarra en una improvisación que a mí me llegó. Baseline fue otro cantar, también rítmica aunque más paisajística (llevaba una proyección con macros de su cuerpo), hizo un pase que a mi se me hizo un poco largo y en cuanto a sonidos ¡ay! es difícil sacarle cosas nuevas a un Korg. Los catalanes Sons of Bronson también abusaron de minutaje, aunque su propuesta era mucho más orgánica. Su actitud  de confrontación, un poco de broma, pero divertida y su sonido, muy elaborado a base de muestras, CD’s, un bajo, voces y manipulación cafre de pedales y una mesa, fue de agradecer. Merzbow, Akita es cojonudo le gritaban algunos al acabar su set, estuvo muy bien, aunque a mí me sobró el bis. Sonidazo, volumen brutal, dos ordenadores con los que soltaba bases, amplis (marshall de guitarra y ampeg de bajo) y un aparato que parecía entre el bolso de la teniente Ripley de Alien y una estufa Jata destripada enchufado a varios pedales con el que hacía unos punteos, ahora Neil Young en Crazy Horse, ahora Lou Reed circa los dos primeros de la Velvet o Blixa Bargeld en los Bad Seeds. Muy intenso. Bueno esta es mi apreciación del asunto, nos vemos por ahí

 

Josetxo Anitua

[via audiolab blog]

Hamaika>05: LÖTY NEGARTI & HISU & JION JANG: Gargantua (2006)

El quinto artefacto sonoro de Hamaika nos presenta a Löty negarti (hamaika, la persona) junto a dos desconocidos/as hasta la fecha como son Hisu y Jion Jang. Otra vez, nos encontramos ante otro ejemplo de hoja de estilo propia de hamaika, o en otras palabras lo que cualquier técnico de sonido nunca haría o en todo caso definiría como una monstruosidad. Pero para los que nos gustan este tipo de barbaridades, hay que reconocer que el ejercicio lo-fi que hamaika, Löty y cia proponen en sus publicaciones, puede incluso llegar a ser refrescante, por momentos. En el caso de Gargantua (curiosamente haciendo referencia a ese otro monstruo de la cultura popular bilbaína), aunque el disco esta dividido en 6 partes, sonoramente podríamos decir que existen dos partes bien diferenciadas. La primera estaría formada por “niño muerto ochocuartos” y “entreacto”, improvisaciones libres de baja fidelidad (en el primer caso en mono y sólo por el lado izquierdo) creadas principalmente con objetos y herramientas acústicas-eléctricas, e incluso algún que otro instrumento convencional (me parece escuchar un violín). La segunda parte (ya en estéreo, aunque con una irregular e interesante espacialización que cambia constantemente) formada por el ejercicio noise digital old-school “Paladar de tinieblas”, el feedbackeante “el niño deborado”, la ruidosa y pseudo-étnica “kuishini onda” (para mi gusto la mejor pieza del disco) y el epílogo digital “la paragua”, es un maremagnum de estática electrica y ruido digital saturado que de vez en cuando es interrumpido por intervenciones acústicas.
Evidentemente, no resulta demasiado fácil describir exhaustivamente este disco, aunque estoy convencido de que más de un crítico musical no se atrevería ni siquiera a escucharlo enteramente con miedo a expresar sus más violentos adjetivos. Por tanto, dejaré un espacio a la definición de sus propios creadores, tál como dicen en su web:
GARGANTUA, el mostruo, de proporciones inmensas, devorador insaciable, temible, titanico, turbulento, de movimiento estruendoso …y a la vez; un juego local de niños, nuestro tobogan de ociosa ironia social. Curiosa y maravillosamente adaptado a nuestro imaginario festivo, el mito breton(?), vestido de casero, ataviado con txapela, abarcas, gerriko y cuchara; rito iniciatico popular bilbaino, la frontera que separa el tope de las escaleras que trepan hasta las fauces (input) del fin del tobogan el culo (output). El niño sabedor de la inocencia del juego pero atrapado con su imaginación dantesca, bloqueado, luchando contra sí mismo por entrar a la boca del lobo inocente. Tensión, ruido, liberación, placer, diversion, aprendizaje.

Eso mismo.

Xabier Erkizia

HAMAIKA04 en www.gatza.org

El nombre ya les hacía justicia, SKIFTINGAR de travestidos, que mudan de piel, de color, que se adaptan a la situación. Pero no un adaptarse gracias a un virtuosismo instrumental o destreza técnica. La capacidad de adaptación que demostraban era la de quien sabe asumir el error, el desequilibrio y la impureza conjurando las fuerzas unificadoras del flujo emocional de las pasiones más animales. Quien acudía a uno de aquellas intensas sesiones de ensayo en el garage situado en el barrio donostiarra de Ibaeta enseguida comprendía que aquello no era el camino para llegar a ningun objetivo claro, el camino mismo era más bien lo que buscaban. El ensayo se convertía en el fin último e inagotable para desarmar cualquier orden prefijado. Podríamos decir por ello que se trata de un Rock de ensayo. Así, lo que originalmente eran temas más o menos folklorikos de la música islandesa terminaban por destilarse en una experiencia actual y viva, puramente libidinal, tan hermosa como desastrosa. El disco es digno reflejo de lo que fueron. Una banda que apenas duró seis meses, que sólo dió dos o tres conciertos, pero que desarrollo toda una tarea de forzar ludicamente el Rock & Roll es algo dificil de documentar en unos cuantos minutos de grabación enlatada. Y sin embargo, la ordenación de los temas, la calidad cassette de la grabación y la casi total ausencia de cortes decorosos nos traen un potente recuerdo a quienes vivimos como audiencia aquellos momentos; THOR MOMENTS

viktor elorduy

[via audiolab blog]

[cs071] JOSEBA IRAZOKI: olatuetan

Dudarik gabe, Joseba Irazoki gure inguruotan topa dezakegun musikari langile eta prolifikoenetako bat da. Onddo proiektua desegin eta gero, nagusiki bi norabide jakin hartu zituen berako gitarrajoleak azken bizpahiru urteotan erakustera eman dituenak: kantugintza eta inprobisazioan oinarritutako esperimentazioa.
Lehenean, bi diska argitaratu ditu Irri eta solas (2005) eta eta gizona zakur egin zen (2006), eta bertzetik DO ezizenarekin Tokian tokiko diska argitaratu zuen (lucky kitchen 2006), alg-a netlabelarentzako mp3 ep bat, MENGELE QUARTETekin hiru minicd, eta orain berriz DO izena alderatuz, eta horrenbeste izenekin lehen nahiko nahasmen baldin bagenuen oraindik gehiago gehituz, olatuetan berri hau ekartzen digu. Nahiz eta JOSEBA IRAZOKI izenarekin sinatutako diska den orain arteko bideari jarraituz lojikoagoa litzake DO izenarekin sinatzea, zerbaitek ordea eraman du bertze bidera eta ez da hori jakitea ordea gure helburua. Are gutxiago diska honekin, non, musikak, hitzik gabea eta kantu forma klasikoa jarraitu gabe, protagonistaren bat baldin badu, gitarra baita.

Aspaldian soilik gitarrarekin egindako diskarik ez dudala entzun onartu behar dut, Derek Bailey hil zenean egin nuen errepasoak eta Keith Rowe-n zenbait lanen kasuan ezik. Eta hain zuzen Irazokik bi gitarrajole omentzen ditu diska honetan, orain aipatu Derek Bailey eta Robbie Basho, bere eraginen artean nabarmen koka ditzazkegun bi gitarrajole. Diskak irauten duen 45 minutu eskasetan beraiekin ibiltzen da, soka arteko surflari bat bailitzan.
Baileyren abstrakzioa ezkerreko eskuan eta Bashoren behatzen abiadura bertzean harturik lan zinez berezia eta anitza osatu du josebak. Batere aspertzen ez duena eta etengabe soka arteko doinu berezietan galtzera gonbidatzen duena. Baina tartean badago aunitz gehiago ere: ahotsak, xuxurlak, marrakoak, zaratak…
Ezin da erran ordea, lan gogorra denik, batzuetan soinu ez melodikoak erabiltzen baditu ere, goxoa delako forman, diska gordetzen duten belarren gisakoa: koloretsua eta goxoa. Eta zentzu horretan nere gusturako orain arteko lan natural eta pertsonalena osatu du Irazokik, humiltasun musikal antzeko batek bultzatuta (eskertzekoa da hori musikaren mundu egozentrikoan) eta beste lanen aldean produkzio teknikoari horrenbertzeko garrantzirik eman gabe (gitarraren azpian ateak, trafiko doinuak etxeko zaratak entzun daitezke, etxean egindako diska da, alegia) lan honek, berea, berezkoa duen lurraldera eramaten gaitu zuzenean.
Diska Creative sources label portugal bikainak argitaratzen du.
xabier erkizia

OIER ETXEBERRIA NOS SORPRENDIÓ EL D�A 14 DE OCTUBRE EN AMATAU.

Ministro es la remezcla impulsiva, el derroche collage, la impureza explicitada y traida a los morros de la audiencia.

Mímica robotizada retrato de nuestro tiempo colapsado de datos sonoros. La locura dionisiaca y delirante
acción de excelente lucided obtusa.

Oier es el sexto bilbaíno

Critica a trabajos realizados por

Tüsüri entre el 2005 y el 2006.

Tribprod mp3 single 67

1- Gavbeh

2- Gudarotzak

Queriac Mahorka 085 mp3

3- Columpio 0

4- Unliberum Aribitrium

5- Esku Latzez

6- Negu Hotzetako

Tribprod mini cd (Laister)

7- Idhylico Ephoka

El imaginario se nubla, llueve y hace frío. ¿Es un documento, una realidad virtual o pura ficción?
Yo nunca he sido muy amante de lo narrativo, no me gusta la sensación de que me presenten una realidad alternativa. El trabajo de

Tüsüri trata de dar rienda suelta a la imaginación del oyente creando paisajes sonoros y ambientes casi cinematográficos que pueden llevar a pensar (como en el caso de Miguel A. Garcia) en una idea romántica de Euskal Herria:

“Y ahi quizás radica su mayor virtud, a pesar de esa “figuraciónâ€? maquinal, el ambiente recreado tiene mucho que ver con el lado mas oscuro y “misticoâ€? de Euskal Herria, los bosques envueltos en misteriosa neblina, montes inescrutables por la mirada con lejanos ecos de los gritos en los akelarres, tierra de brujas y criaturas encantadas. El tejido de las apariencias rasgado. Las pinturas de Vicente Ameztoy vien! en a mi mente.”

Una idea pura e irreducible de sensaciones que se pueden vivir en Euskal Herria pero la realidad es que todos sabemos que esta parte del mundo esta llena de problemas socio-políticos y no están precisamente creados por la madre naturaleza. La mistificación en el trabajo de Tüsüri esta presente en el sentido de que, mediante loops y sonidos envolventes se encubren los procesos y mecanismos que se han dado a la hora de realizar las obras. Por supuesto esta es una critica totalmente subjetiva que viene de otro musico experimental con intereses muy diferentes. No obstante creo que es interesante mostrar estas diferencias. Por lo tanto explicare brevemente mis intereses para que el lector tenga claro de donde procedo.

En la música experimental busco la apertura de posibilidades, de nuevos puntos de vistas y de nuevas relaciones, con el instrumento y con el publico. Utilizar el instrumento como punta de lanza para una perversión conceptual, teniendo en cuenta de por muy pequeñas e insignificativas sean tus acciones, pueden llevar a cambiar tu realidad mas cercana. En cambio hay momentos que Tüsüri me lleva a un escenario alejado de mi realidad cotidiana. Personalmente tengo problemas con esta actitud. Si algo tenia las música industrial era la de traer los sonidos de las fabricas a la cultura, pero no para dejarla cerrada en el espacio de la cultura si no para luego mirar de forma critica o al menos diferente a lo que estaba sucediendo, en el campo de la cultura y su relación con los medios de producción industriales.

Ayer estuve viendo unos vídeos de Z ‘EV en directo (1979) en San Francisco. Z’EV moviendo metales y katxarros de cocina por todo el escenario lleva al publico a sentir el riesgo de poder ser fisicamente golpeado. Pero no solo esto, el publico también tiene que replantearse sus nociones de musica, del concepto de concierto y lo que se supone que es una artista. Eran los tiempos del post-punk: todo menos el aburrimiento!.
Una perspectiva materialista que cuestiona de raíz lo que significa trabajar con muchos de los aspectos que rodean al sonido.
Pero no solo esto ya que nos hace sentir una realidad mas intensa, nos hace vivir el presente con la posibilidad de cambio.

Pero las cosas han cambiado mucho:
los medios de producción ahora son la comunicación, la información y su administración, la capacidad de adaptabilidad a los cambios y situaciones, a la tecnologia y la capacidad de tratar a la gente. Estas son las herramientas que uno necesita para crear plus valor en los países avanzados.
Dicho esto ciertos aspectos del trabajo de Tüsüri me parecen extremadamente contemporáneos, sugerentes y hasta criticos. En Unliberum Aribitrium, una batería improvisada es mezclada con sonidos electrónicos y grabaciones de campo. La autoría se tuerce, así mismo el concepto de grupo, de banda, de cada musico dedicado a su instrumento. Tüsüri deconstruye estas nociones sutilmente gracias a la imaginación y el magnifico uso de las nuevas tecnologías. Entre las grabaciones de campo que Tüsüri utiliza en esta pieza, hay unas personas charlando agradablemente pero no se les entiende. Esto si que es poesia concreta comunal!

Puede que los susodichos estén asistiendo a un concierto de musica experimental que les este aburriendo tanto que prefieran reírse de lo pretencioso que resulta ver a una persona tocando el ordenador en el escenario.

Mattin 20 de septiembre de 2006 Anti-Copyright

JOSETXO ANITUA- CRY BEHIND THE LOOP (Desetxea netlabel)

Josetxo Anitua te atrapa en este pasaje hipnotico llamado “Cry behind the loop”, llevandote a paisajes industriales de acerias, fabricas, chimeneas, humo… como si estuvieras dentro de un alto horno. Apesar de su minimalismo, tiene la gran virtud de mantenerte atento durante toda su escucha, a base de ondas, frecuencias, ruidos y zumbidos, todos habilmente mezclados, jugando con ellos con muy buen gusto, durante sus cinco minutos y medio de duracion.
Esta psicodelia electronica acaba envolviendote en su universo particular, desde su principio hasta su final, en donde la cancion va muriendo poco a poco, de manera muy sutil.
Un viaje de lo mas hipnoticamente repetitivo, quizas no apto para todos los oidos, pero que si se le da una oportunidad es muy posible que acabe absorbiendote. A mi, por lo menos, me ha ocurrido.
IÑIGO EGUILLOR

Pasaron las jornadas MUSIKA RADIKLAL BRASCA: ENKRUETOS / AUSKAL MUTURREKO MUSIKA: TRONPAKETAK, con, para que negarlo, un balance más que mejor. Aunque (ya puestos a sincerarnos) estos encuentros no partían con unas espectativas muy claras, dado que son las primeras que organizamos de estas características, la verdad es que el resultado no podría ser mejor. O quizás sí, pero esto, mejor lo dejamos para el futuro y para próximos posibles encuentros. De momento me ceñiré a estos encuentros que en mi parecer se desarrollaron con una flexibilidad, tranquilidad y naturalidad casi pasmosa. Pero, ojo, esto no significa que fueran lentas, dudosas o predecibles. Al revés, creo que sin el algo coincidimos todos/as los/las participantes es que fueron muy intensas en términos de contenido. Estoy (y creo que todos estaremos de acuerdo) en que 3 dias no son suficientes para tratar todos los temas que nos importan o que creemos importantes, pero si han servido para (pro)poner muchos temas encima de la mesa y en algunos casos para llegar a conclusiones bien interesantes.

Esta crónica no es mas que un resumen de la infinidad de situaciones, temas y debates que vivimos durante los tres dias.

dia 1: viernes 11 de agosto
El primer día de las jornadas podríamos definirla como la mas inconclusa pero tambien la más necesaria. El objetivo era poner encima de la mesa todas las cartas de juego y decidir cuales elegir para jugar. Y así fué. Tras, las primeras presentaciones y declaraciones de intenciones, se trataron muchos temas (para algunos/as quizás demasiados) referentes a nuestras prácticas: Producción, exhibición, distribución, edición, género y algunos más, aunque aprovechando la presencia de varios participantes que tan solo pudieron asistir a esta primera sesión se hizo hincapié en el tema de la exhibición (festivales, conciertos) y en el de distribución (de todo tipo de trabajos). Los componentes del proyecto de distribución de trabajos sonoros ARTO ARTIAN (akauzazte, series negras, ertz) presentó sus actividades y las expuso cara a recibir opiniones o críticas respecto a si es necesario o no crear una plataforma de distribución de cds/cdrs en estos momentos tan delicados para el mundo de la edición y publicación de música. La acogida fué fantástica ya que se recurrió al ejemplo artoartian durante las jornadas posteriores y se prevé que en poco tiempo pueda convertirse en una plataforma válida para muchos artistas locales.
Por su parte Josu Lafont en representación del festival bilbaíno MUSICA EX MACHINA y su programación OPENMEM presentó las bases en las que se enmarcan sus actividades, para muchos ya conocidas. Durante el debate se cuestionaron varios temas como la validez del formato festival y todas las consecuencias que esta contrae, y la problemática que mantiene en sí mismo este formato de exhibición en el contexto socio-cultural que vivimos. Por un lado se habló sobre la inevitable cuestión económica, íntimamente ligada a la repercusión mediática, que los festivales tienen en comparación con eventos de menor dimensión, y por otro lado las diferencias que mantienen en cuanto a practicidad respecto a los creadores. Existen formatos mas útiles, prácticos o interesantes para los creadores? Son, por ejemplo, los talleres o workshops una alternativa para los festivales? Es más interesante buscar otras alternativas en vez de competir (aunque evidentemente ese no sea el objetivo principal de los festivales dedicados a estas músicas) con la fiebre de macrofestivales que vivimos? Si entendemos que las formas de producción de este tipo de música son diferentes deberíamos de seguir utilizando formatos standard como el de festival para presentarlas? Sigue siendo necesario el formato festival para llegar a públicos mas amplios? o para conseguir la atención de los medios? o para conseguir los fondos económicos necesarios para que la comunidad de músicos experimentales internacional pueda alimentarse?
Sin duda alguna son preguntas de dificil respuesta, pero que ahí quedan y que estoy seguro que tendrán repercusiones en próximos debates y eventos.

Una vez terminado este primer debate que sirvió para priorizar los temas a tratar los siguientes días, y trás un descanso, llegó la primera actuación de los encuentros. De ello se encargaron JOSETXO GRIETA con un directo (que a mi personalmente me llegó mas que algunas grabaciones de la grieta) muy intenso que emocionó a algunos y que mandó para casa a otros. Como siempre las propuestas que vienen de la mano de MATTIN, esta vez perfectamente acompañado de IÑIGO EGUILLOR (batería, miembro de Gringo) y JOSETXO ANITUA (radio, ampli, voz, miembro de los clásicos Cancer Moon), crean estas dispares reacciones por parte de los oyentes. Pero personalmente siempre he pensado que esa es una buena señal, desde luego mejor a la de crear indiferencia, asi que estoy convencido de que su aportación sirvió entre muchas cosas como puntal de lo que serían los encuentros, y sobre todo en comparación con las demás actuaciones.

Despues, todo se redujo al grupo que nos quedamos a dormir en arteleku, en las que surgió algún debate interesante sobre la necesidad o no necesidad de publicar música (más de la que ya hay), pero que en términos generales se limitó a repasar gustos musicales individuales. Evidentemente esta definición resulta muy fría ya que hablamos de una conversación amena entre amigos.

dia 2: sabado 12 de agosto
El sabado fue el primer día completo de los encuentros y por tanto mas duro que el primero. La sesión de la mañana estuvo centrada en repasar algunos temas ya propuestos el primer día pero principalmente en el tema de los nuevos formatos de publicación de audio. Concretamente aprovechando la presencia de responsables de varios netlables cercanos como DESETXEA, SOTOTIKlabel o TRANSMUTATION REC, se habló sobre la nuevas formas y posibilidades que los formatos digitales no-físicos ofrecen y que papel juegan los netlabels en este campo.
Por la tarde (por desgracia no pude asistir) se habló sobre la importancia de la crítica, debate que resultó muy interesante y al parecer productivo, prueba de ello son las numerosas críticas de discos que han sido publicadas desde entonces en el blog de MRB/AMM.
El segundo concierto de las jornadas estuvo a cargo de MAITE ARROITAJAUREGI (cello) e IÑIGO TELLETXEA (mixer, pedales, palo). Sin duda fué un contrapunto muy interesante al concierto de Josetxogrieta, ya el dúo no trabajó con la violencia sonora o intensidad de los bilbaínos, pero ofreció una improvisación llena de detalles y matices.
Iñigo y Maite decidieron trabajar en otro espacio (sala de exposiciones) de arteleku, con unas características y condiciones sonoras muy diferentes a las del lugar elegido para el bolo del primer dia (sala de conferencias). La tremenda reverb (de varios segundos) de la sala, más que molestar creo que ayudó a la propuesta musical del dúo y resultó ser una inteligente decisión musical. El concierto, que duró una media hora, estuvo basado principalmente en notas y sonido largos que los dos músicos fueron moldeando poco a poco. Fué el concierto que más público tuvo.

dia 3: domingo 13 de agosto
Aún teniendo en cuenta la intensidad que llevaban las jornadas, el domingo por la mañana tuve la sensación de que nos quedaríamos cortos de tiempo para sacarle el máximo de provecho a los encuentros, pero tenía que ser la jornada de conclusiones y así sirvió. La sesión de la mañana se aprovechó para hacer un primer balance que sirviera para presentar algunas propuestas y para pensar en como potenciar otras. Entre las propuestas nuevas, se concretó una primera cita para improvisar colectivamente y unas posibles segundas y terceras citas con vistas a crear un pequeño circuito o serie de encuentros que sirviera para tocar mas a menudo en grupo. También pusimos la primera piedra para comenzar a crear nuevas situaciones sonoras en lugares públicos y exteriores y se lanzaron diversas invitaciones a participar en proyectos como re:mapa, TRANSMUTATION REC, SOTOTIKlabel o arto artian.
La sesión de tarde que comenzó tras parar para comer fue más numerosa en cuanto a participantes.

Sobre las 6 de la tarde dimos comienzo a la presentación del curioso libro de conciertos teóricos S.P.A.P.S, publicado recientemente por Ertz y Alex Mendizabal. Aprovechando la presencia de Mendizabal, que por degracia no podemos tenerlo tan cerca a menudo, y algunos autores que participan en el libro, pudimos leer y traducir varios textos y comentar algunos de ellos. Después de esta lectura compartida, y antes de dar paso a los últimos dos conciertos del programa, dimos paso a las conclusiones generales de los encuentros donde cada participante expuso sus dudas, comentarios, críticas y/o felicitaciones mutuas sobre las sensaciones que vivimos durante los 3 dias. Ejercicio que resultó muy interesante como evaluación de esta primera experiencia. Apunto tres comentarios-palabras claves: respeto, buen feeling y una recomendación: “que esto no se convierta en escena”.
Una vez concluidas las sesiones teóricas o de debate llegó la hora de comenzar con la última tanda de conciertos, donde primero, Alex propuso una situación de concierto basado en “tocar” ramas de arboles, que sin duda alguna fué una de las situaciones más curiosas que pudimos vivir durante las jornadas. Unos minutos después, llegó el turno del vitoriano-bilbaíno XEDH que ofreció dos sets, uno en solitario y otro a dúo con Joseba irazoki. El primero fué una oscura sesión de electrónica contundente y elegante, mucho más introspectiva que los trabajos que xedh ha realizado en otros proyectos como Valvula Antirretorno o Baballaga. Y el segundo, junto al guitarrista de Bera Joseba Irazoki, resultó un experimento de improvisación que aunque tuvo sus momentos interesantes apuntó a una interesante mezcla (quien sabe, quizás podamos escucharla próximamente…) más que a un resultado concreto. Aún así (y quizás por el caracter de experimento que tuvo) funcionó como final de estos primeros encuentros.

En definitiva, estos primeros encuentros (enkruetos, tronpaketak) han sido una experiencia válida, interesante y práctica que ya está dando frutos y que esperamos dé mucho más de sí.
La posible cita para unos siguientes encuentros queda en el aire, a la espera de que alguien lo agarre y proponga en el futuro una revancha. Como dice el mismo nombre de los encuentros en euskara: AUSKALO (quizás).

x.erkizia

PD: Si teneis material gráfico, sonoro o visual del evento os agradecería que lo mandarais a audiolab(at)ertza.net para incluirlo en la memoria de eventos.

1. Mattin Says:
   Agosto 28th, 2006 at 6:56 pm eBuenísimo resumen Xabi, mil esker. Puedes poner los mp3 que grabaste de los Enkruetos en mi servidor.Añado unos comentarios sobre el sábado:

   -Al mediodía vimos Wavelenth (1967) mítica película de cine experimental. La original dura 45 minutos y la nueva versión en DVD dura tan solo 15 minutos. Básicamente se corto en tres la película original y se sobrepuso. Es interesante que el artista ha modificado la película a la hora de pasarla de 16mm a DVD.

   -Se comentó la relación entre imagen y sonido, y de diferentes maneras de trabajar esta relación.

   -Sobre la falta de performatividad de tocar con un portátil y si esto ha llevado al incremento de audiovisuales en concierto.

   -Critica:
   Nos preguntamos si es necesario mas crítica rigurosa a los trabajos y conciertos que se realizan por aquí (que cada vez son mas). La gente en general dijo que si, que se apreciaría saber mas de las reacciones del publico y de recibir opiniones de otros músicos. Se comentó que aquí no se da mucho la critica por no generar malos rollos.

   Como podemos ver esta web ya esta siendo utilizada como espacio de reflexión crítico. Decir que se agradece la extensión de las críticas.

   Concierto de:
   MAITE ARROITAJAUREGI & IÑIGO TELLETXEA:
   Como ya ha comentado Xabi, funcionó muy bien como contrapunto al concierto del día anterior ( Josetxo Grieta tocó en la sala pequeña, a mucho volumen y con poca luz, creando un ambiente mas bien claustrofóbico). Maite & Iñigo tocaron en la sala grande donde uno se podía tumbar, relajarse y disfrutar de la música de manera agradable. Se notaba concentración y atención entre los músicos y el público. Fue minimalista, bien pudo ser por estética o por falta de riesgo. Hay que reconocer que para no ser un dúo trabajando regularmente, Maite & Iñigo parecían encontrarse espacios y lenguajes comunes.
   Se agradeció la disciplina en los músicos, especialmente en Maite. Aunque a medida fue avanzando el concierto
   Maite empezó a lanzar frases y melodías, en cierta manera para romper con la seriedad abstracta, aunque también se podría ver como un no poder escapar de la historia y tradición del instrumento, volver a lo que tan bien sabe hacer, que es tocar el violoncelo de manera clásica. Fue elegante y con buen gusto. Esto no lo digo solo en tono positivo ya que esta manera de tocar puede reafirmar la improvisación en términos estéticos mas que como posibilidad de conflicto.

   Mattin

El Viernes también se hablo de falta de participación femenina y de cuales pueden ser sus motivos.

Tüsüri: Idhylio Ephoka.
Nueva obra del joven músico “dark-ambient-industrial-experimental” guipuzcoano Tüsüri, tras el interesantisimo “Queriac” publicado en mp3 por el netlabel bulgaro Mahorka (http://mahorka.cult.bg/), esta vez optando por la edición en formato CDR de 3″ por el sello noruego TIB prod. (http://www.tibprod.com/).

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